Farandole de Solitudes / Alice Kinh

Création 2020


Tout public

 

(…) Les paysans dansent ensemble, le plus souvent hommes et femmes mélangés, mais il peut aussi exister des formes où les
sexes sont séparés. Ils se serrent contre les autres : danses où l’on se tient. Presque toujours les danseurs se tiennent par la main, formant une ronde ou un cercle ouvert, plus rarement une farandole. Ils sont très rapprochés. La danse n’évolue pas sur un grand espace, une place restreinte lui suffit, et ceux qui regardent font un cercle autour. (…) Ils dansent ce que les pères ont dansé et que leurs enfants danseront.

PRUDHOMMEAU, Germaine, Histoire de la danse , Tome 1, des origines à la fin du Moyen-Âge, ed. Amphora, Condé-sur-Noireau, 1986, p.170

Note d’intention

Danser la mort en scène, pour penser la vie.

La mort est souvent lue comme une tragédie. Avec Farandole de Solitudes, je me propose de transmettre une façon d’apprendre à mourir ou de se préparer à mourir.
Je souhaite inviter les spectateurs à une introspection leur permettant de traverser les thèmes de la vie et ainsi d’accepter la mort. La vie comme une quête de l’être, du temps et de l’amour.

Ainsi, partant de ma recherche sur les danses macabres du Moyen-Age, j’ai envie de proposer une lecture plus contemporaine et actuelle de notre préparation à la mort. Afin de dépasser un contexte profondément morbide et pessimiste, il me semble important de mettre en scène la solitude, la fête et le lien.

Quelle relation la danse tisse-t-elle avec la mort, le mort, la figure du
mort ?

Cette question prend son point de départ spécifique dans les
danses macabres pour s’ouvrir et s’étendre à la question humaine
actuelle : quelle métamorphose pour exister et pour mourir ?

A l’origine

Ma recherche sur les danses macabres du XVème – XVIème siècle en France est le point de départ de Farandole de Solitudes. Il y a une fascination et une peur de ces danses où chacun côtoie la mort et apprend à danser pour mourir.

Les danses macabres, en dehors des squelettes, qui peuvent impressionner, ne représentent pas une danse morbide. Au contraire, elles représentent toute la force vitale, la force créatrice, populaire et festive du vivre ensemble. A travers la danse macabre, c’est l’abolition des frontières entre le corps et le monde qui se met en scène.

L’inspiration issue des danses macabres m’a donné une ouverture et le choix de parler de la mort dans la création, et de la vie qui reste en filigrane dans la mort.

Sources :
* « Danser la mort : une approche chorégraphique » [http://alicekinh.com/wp-content/uploads/2013/01/Danser-la-mort-_-Une-approche-chore_graphique-_-Me_moire-Master-21.pdf]
* Article publié dans Editions 303, « Arts et rites funéraires » N°142 Septembre 2016

Plongeon

Accepter la mort pour mieux vivre.
Accepter le lâcher prise pour mieux se métamorphoser.
Accepter l’abandon pour mieux être connecté au monde.

Comme nous le rappelle l’étymologie latine du verbe perdre : « per dare » veut dire « donner à l’infini ». Comment le sentiment d’injustice de la perte d’un être cher peut-il être vécu comme un don à l’infini ?

Solitude et identité sont synonymes pour moi. Nous sommes tous amenés à vivre des métamorphoses dans notre vie, à l’intérieur et dans notre relation aux autres. Il s’agit donc dans cette pièce chorégraphique de parler de notre solitude intime et personnelle et aussi de nos solitudes, plurielles ou collectives.

On peut parfois se sentir étouffer dans notre société occidentale par l’angoisse de mort, vécue comme un déséquilibre. Je me propose d’apprivoiser ce sentiment en regardant la mort, ma mort et celle des autres autrement que sous l’aspect tragique, violent et plein de souffrance. Le contact entre nos solitudes, qui apparaissent selon des contextes, des espaces, des langages est le lieu de petites morts. C’est donc en passant d’une solitude à une autre, d’une identité à une autre, que l’on retrouve notre équilibre.

Dans les interviews de terrain pour ma recherche chorégraphique, je pose la question « que faites-vous lorsque votre solitude est trop forte ? »; et plus de 90% des personnes me répondent « marcher ». C’est le moment où l’on se replonge en soi, où le corps accompagne l’esprit et où ensemble ils parviennent à dissiper leurs frontières pour ne faire qu’un. La marche est cette bascule, mouvement du corps comme la pensée est une bascule de l’esprit. Ainsi, Nietzsche disait « seules les pensées que l’on a en marchant valent quelque chose ». Dans ce mouvement nous jouons avec la perte d’équilibre, d’une pensée à une autre, d’un pas à un autre.

Conception Artistique

Farandole de solitudes se construit en plusieurs volets de créations. Elle sera une pièce évolutive à la fois dans la création chorégraphique et dans la conception de la scénographie (costumes multiples, décors et lumières changeants).

Le travail chorégraphique s’articule autour de différentes nourritures intellectuelles et culturelles ainsi que d’expériences individuelles et interpersonnelles, afin de parler des métamorphoses, des transformations de l’être dans le temps :
– le travail d’analyse du mouvement des danses macabres réalisé lors de ma recherche sur les danses macabres (exemple : verticalité, posture de la main, orientation du corps…)
– une partie de l’oeuvre de Pascal Guignard, sur les thèmes de la solitude et la mort
– les interviews de terrain que j’ai réalisés à partir d’un corpus de questions sur la solitude, sera ma cartographie de travail chorégraphique

Une pièce évolutive

L’objectif est de créer une pièce chorégraphique qui regroupera quatre modules : un de femmes, un d’hommes, un solo, un mixte. Chacun de ces modules pourra se jouer indépendamment, ou aussi en n’en choisissant que certains, pour donner naissance à une pièce à géométrie variable.

Le travail chorégraphique se construit en considérant les 4 danseuses tout d’abord comme un tout, puis s’ouvre vers leurs individualités et ses détails afin de créer un nouvel écosystème.

Mon travail s’articule autour de journées thématiques de travail : l’abandon, la main, la naissance accouchement, le soin, la perte de repères, le vertige, le lien visible et invisible, la mort, le souffle, la solitude et le porter.

Sur le lexique ou les qualités de corps travaillés, nous sommes sur un travail de verticalité très fort, accentué par le portage des corps, la visibilité de la main comme créatrice de lien, d’accompagnement, de rejet, d’appui.

Reste en suspend pour le moment la métamorphose que je souhaite rendre plus lisible et visible à l’avenir.

L’année 2019 est consacrée au premier module avec les quatre danseuses. Au fur et à mesure la pièce s’étoffera avec l’agrandissement du nombre d’interprètes, dans l’objectif final de neuf interprètes sur scène. La première de ce premier module est prévue le 27 mars 2020 à L’Horizon, La Rochelle. Au printemps 2020 je commencerai à développer Farandole de Solitudes dans sa version rue/espace public. Et à l’automne 2020 je démarrerai la version hommes ou version solo.

La musique quant à elle est une commande auprès du groupe Grand Soir, sensible à ces questions de l’individu, de l’être, de la métamorphose et de la mort.

L’équipe artistique / distribution 

Toutes les personnes choisies pour m’accompagner et m’entourer à la création de cette pièce chorégraphique sont des personnes avec qui j’ai d’ores et déjà travaillé, collaboré. Il est important pour moi de créer une équipe cohérente, qui me connait et suit mon travail depuis plusieurs années afin d’être au plus près de ce que j’ai pu imaginer à l’origine.

Conception et chorégraphie : Alice Kinh
Co-créé avec et interprété par : Léa Bonnaud, Salomé Genès, Charlotte Leroy, Aude Westphal
Création musicale : Grand Soir
Dramaturgie : Emilie Léveillé
Regard extérieur : Antoine Colonna d’Itria
Création lumière et régie générale : Jérôme Bertin
Administratrice : Fanny Baconnais
Co-production : OARA (Office Artistique National de la Région Nouvelle Aquitaine), Espace Mendi Zolan, soutiens Ulule
Avec le soutien de : La Ménagerie de Verre Studio Lab- Paris, La Mue- Caen, Théâtre L’horizon – La Rochelle, Atelier Anna Weill-Poitiers, Espace Mendi Zolan – Hendaye, La Métive – Moutier d’Ahun, La Méca – Bordeaux
Production déléguée : Ioul Musique
Partenaires :                  

L'équipe artistique

Alice Kinh, chorégraphe / alicekinh.com

Danseuse et chercheuse de formation. En parallèle de ses études elle a toujours créé avec d’autres artistes afin d’avancer sur ses intentions de danseuse et de chorégraphe. Elle a eu la chance de rencontrer plusieurs artistes avec qui elle a mené des collaborations sur plusieurs années ( Nancy Spanier, Paul Oertel, Jean-Michel Vermersch, Théo-Mogan Gidon, Selim Ben Safia, Fanny Fortage, etc…).

Nomade de la danse et socio-chorégraphe, elle allie des projets artistiques à des rencontres et des voyages. C’est au sein du Duo Umaï qu’elle fait ses premiers pas dans le milieu chorégraphique en passant notamment par le festival Off d’Avignon et en étant soutenue pour la dernière création du duo par la DRAC Bourgogne Franche Comté, la Région Cote d’Or et le département Saône et Loire. Elle ouvre ensuite son horizon en collaborant notamment avec le chorégraphe Selim Ben Safia (Tunisie) et la metteur en scène Maëlle Poésy à l’Opéra de Dijon. Elle aime mélanger les univers en changeant de style de danse, notamment pour des projets audiovisuels. Elle a été chorégraphe pour 23 danseuses pour le clip de l’artiste Darzack, danseuse principale pour un clip du groupe Maestro, ou encore danseuse et chorégraphe pour un spectacle de musique classique d’Hugo Reyne sur Debussy « Syrinx ou l’invention de la flûte de Pan ». Les rencontres nombreuses avec des artistes tels que Barbara Carlotti ou bien les Sages Poètes de la Rue lui ont permis de s’inscrire dans un milieu artistique ouvert et varié.

Le projet Farandole de solitudes mûrit depuis plusieurs années avec son désir de créer une pièce de danse abordant la question de la mort. Aujourd’hui, elle se sent riche de ses différentes expériences artistiques et prête à mener jusqu’au bout cette ambition chorégraphique.


 

Léa Bonnaud, danseuse et notatrice Laban

En parallèle de sa formation en danse à Poitiers, Léa Bonnaud a aussi fait des études universitaire en anglais.
Elle poursuit sa recherche sur le geste dansé, l’analyse du mouvement et la conscience du corps premièrement avec le Contact Improvisation, qu’elle enseigne depuis 2011. Puis, avec la cinétographie / notation Laban, système d’analyse et d’écriture du mouvement dont elle est diplômée par le Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris.
Son penchant pour l’histoire et ses traces dans le monde contemporain se retrouve dans des projets de création ou pédagogiques autour de l’histoire de la danse (transmission de pièces de répertoire d’après partitions chorégraphiques, recherche sur la postmodern dance) et autour des liens entre danse et histoire des arts.
Elle développe ses projets chorégraphiques au sein du Collectif Zone d’Appui Provisoire (solo Pistes et court-métrage Retrouver les gestes en 2014, duo Muses en 2017).
Elle est également interprète, performeuse invitée pour des évènements, chorégraphe ou collaboratrice pour des projets pédagogiques avec plusieurs compagnies (Cie Off, Cie Arlette Moreau, Groupenfonction, Androphyne, Cie La Nuit te soupire, Hors Laps, La Fabrika).
Tous ces projets, personnels et autres, nourrissent sont goût pour les formes pluridisciplinaires et performatives.


Salomé Genès, danseuse et dessinatrice

Le travail de Salomé Genès s’attache à trouver des points de croisements entre sa pratique de la Chorégraphie et des Arts Visuels. Après un parcours au conservatoire à rayonnement régional d’Angers et ses études aux Beaux-Arts d’Angers, elle collabore en tant que plasticienne-dessinatrice sur le solo « Sens » de la Cie La Tierce en 2012-2013. Elle concrétise son désir d’être danseuse et entre au conservatoire de La Rochelle au sein du JBA (Jeune Ballet d’Aquitaine). Elle travaille à cette période notamment avec Christophe Béranger et Jonathan Pranlas-Descours.

Elle intègre ensuite l’Académie Royale des Beaux-Arts de Bruxelles, au sein de la section ISAC (Institut supérieur des arts et des chorégraphies) et finalise son Bachelor à l’Ecole Hochschulübergreifendes Zentrum Tanz de Berlin.

En cette rentrée 2018, elle collabore à l’élaboration du Symposium (Rencontre de la jeune création européenne) auprès d’Alain Michard et de 14 artistes chorégraphiques émergents.
Egalement illustratrice, Salomé travaille avec Agata Siniarska auteure de « In the Beginning was a Copy », édition Circadian sorti en 2018 à Berlin.

 


Charlotte Leroy, danseuse et comédienne

Elle est danseuse et pédagogue évoluant dans l’univers sensible de la danse comme du théâtre.

Sa danse est issue de différentes pratiques et formations. De l’enseignement d’Agnès Pelletier, de sa formation en danse contemporaine et classique au Conservatoire de Niort puis Poitiers, de l’élan du Groupe Chorégraphique de l’Université de Poitiers où elle fait ses premières interprétations auprès de Christian Bourigault et Martine Pisani. Des stages professionnels lui ont permis d’aller à la rencontre de chorégraphes et danseurs particuliers qui travaillent les processus d’improvisation tels que Sherwood Chen (Body Weather), Juha Marsalo et Caroline Savi (Cie LaFlux), Rosalind Crisp.

Aujourd’hui elle est ou a été danseuse et comédienne pour différentes compagnies: les Arts Sensibles (Coralie Banchereau), la Cie Nejma (Véronique Ben Ahmed), la cie Karine Saporta, la compagnie Arrivedercho, la Cie V.O.|Olivier Viaud, la Fabrique à Brac, pour une performance d’Annliz Bonin, pour accompagner le conteur Emile-Didier Nana. Elle créé également un solo pour une danseuse et une voiture : Voiture Bleue – stationnements gesticulés.

En 2015, elle obtient son Master en Danse, avec sa recherche sur la pédagogie de la danse à l’école primaire. Celle-ci est toujours active grâce à des interventions menées régulièrement en milieu scolaire (maternelle, élémentaire, lycée) dans des cadres différents, mais toujours en tant que danseuse.

http://charlotte-leroy.com/


Aude Westphal, danseuse

Enrichie dès le plus jeune âge par une pratique variée de la danse (classique, hip-hop, jazz et contemporain), Aude Westphal fréquente de 2010 à 2011 le SEAD (Autriche) et interprète avec les danseurs de l’école Expanding Energy de Davis Freeman présentée lors du Sommerszene de Salzbourg.
Elle poursuit au conservatoire de Poitiers dont elle ressort diplômée, et continue de se former auprès des danseurs d’Ohad Nadarin, Alain Platel, Akram Khan et de la cie Peeping Tom.
Également diplômée d’une licence d’allemand (Universités de Tours et de Salzbourg) et d’un Master 2 d’Histoire, elle rédige son mémoire sur l’impact de la notation Feuillet dans les traités de danse germaniques à l’époque baroque.
Passionnée par la fusion et le dialogue entre les arts, Aude collabore depuis 2014 avec Grenouilles Productions à la réalisation de performances vidéo dansées et interprète depuis 2016 les spectacles transdisciplinaires de la Cie L2 (Poitiers).
Développant également un goût prononcé pour la pratique en espace urbain, elle créé en 2017 le duo L’école buissonnière, inclination qu’elle retrouve en interprétant Grab it ! et Billie (2019) de la Compagnie Cicle, pour laquelle elle danse aussi le quintet féminin Upon (2018).
Depuis 2017, elle collabore avec la Compagnie Tango Nomade sur des spectacles mêlant danse contemporaine, cirque et danse verticale, et rejoint en 2019 la création Farandole de Solitudes de la chorégraphe Alice Kinh.
Bientôt détentrice du diplôme d’État de professeur de danse, Aude assure depuis 2014 les cours de culture chorégraphique au Conservatoire de Poitiers, dispense cours et ateliers dans sa région ainsi qu’ à l’étranger.


Parole aux interprètes

Emilie Léveillé, dramaturge

De la production audiovisuelle et événementielle à l’écriture, Émilie a toujours été accompagnée par le sensible et l’authentique. 

Son parcours est semé de bouchées et d’essais. Il s’est arrêté dans la production de cinéma d’auteur; dans la diffusion de compagnies qui travaillent autour du conte, de la danse et de la photographie; pour continuer vers la promesse d’une alternative avec le collectif autogéré La Méandre à Chalon sur Saône où elle organise les concerts et filme ses méandres (ateliers, stages, scénographies et spectacles arts de rue).
Ce parcours est une recherche qui lui fera notamment prendre le temps d’écrire des Histoires de Folks, 12 courtes micro-fictions et poésies autour de la musique folk (Woody Guthrie, Karen Dalton, Shirley Collins, John Fahey etc.) ainsi qu’un micro-recueil de poésies qu’elle appellera L’Amour c’est sensible, suite au jeu de mot d’un ami, symbole hasardeux de son écriture automatique et illuminée.
Cinéphile et mélomane, le cinéma est un prisme tantôt artistique, tantôt culturel, tantôt les deux, qu’elle ne perd jamais de vue. Les limbes, Circule et Premier Amour (adaptation de la nouvelle de Tourgueniev) sont des scénarios en cours de production et d’écriture. Chaque histoire questionne l’identité et rien que l’identité, le soi profond, tout comme dans AMBIVALENCE, une série de 6 vidéos qui, en flirtant avec l’autoportrait intime et poétique, met en exergue l’effondrement actuel de notre environnement.
À côté de quelques clips et teasers réalisés pour des groupes de musique ou pour la compagnie Voix dans laquelle Margherita Bergamo, chorégraphe-danseuse-chercheuse, a conçu le spectacle EVE- la danse est un espace sans lieu qui utilise la réalité virtuelle, et naturellement entourée de danseuses et d’espaces grâce au collectif de Chalon, Émilie se prête à la vidéo danse en enfermant le mouvement, le soi dansé dans un cadre fixe, esthétique et toujours improvisé.
https://emilieleveille.com


GRAND SOIR, création musicale

Grand Soir est un collectif parisien inspiré par les rêves et les sursauts d’une jeunesse en quête de sens et de beauté dans une période où l’urgence permanente rend la société folle. A la croisée du hip-hop, de l’électro et du rock, un voyage coloré dans un futur évanescent, un imaginaire de douce révolte contre l’absurdité des injonctions au carpe diem et l’impuissance des nostalgies. La musique du groupe porte l’histoire parlée et chantée d’un voyage entre l’ombre et la lumière, dans l’effervescence et l’animalité de l’époque.

Krzysztof et Antoine souhaitent porter le projet Grand Soir au sommet de la réalisation artistique, pour en faire une musique exigeante, résolument contemporaine, et créer un univers sonore et visuel à la croisée des chemins, afin d’engager un voyage collectif dans l’imaginaire des auditeurs.

Grand soir est une invitation poétique à renouer avec notre intériorité animale, et ainsi à s’affirmer avec authenticité dans l’incertitude des jungles urbaines. C’est un projet artistique collectif, ouvert et engagé.

Site Grand Soir


Jérôme Bertin, créateur lumières

Après avoir obtenu un DEUG de psychologie à l’université des Sciences Humaines de Lille, Jérôme découvre l’animation socio-culturelle en 1993 et s’y investira jusqu’en 2000. Pendant cette période, il est également chanteur dans un groupe rock, comédien dans une troupe d’amateurs, membre du Conseil d’Administration du café-musique Nwer Leu (à Merlieux), formateur et militant aux CEMEA de Picardie.

En décembre 2001 il est employé comme régisseur lumière et plateau du Centre Culturel de Tergnier géré alors par l’association CACIT après presque 2 ans de bénévolat. Il y travaillera jusqu’en avril 2003.

Tout en continuant d’assurer quelques accueils dans les salles de la région (Centre Culturel de Tergnier, MCL de Gauchy, Splendid et Théâtre Jean Vilar de Saint-Quentin, MAL de Laon), il a signé depuis 2004 une soixantaine de créations lumières dans différents domaines du spectacle vivant : théâtre, danse contemporaine, performance, chanson française, concert rock.

En parallèle, il assurait pendant 5 années la régie générale du festival VO en Soissonnais; pendant 2 ans, en collaboration avec le directeur technique Christophe Poux, la régie générale du festival C’est Comme Ca du CDC l’Echangeur à Château-Thierry, ainsi que la régie générale d’Etrange Cargo et les Inaccoutumés, 2 festivals de la Ménagerie de Verre.

Depuis 2003 il continue alors sa formation dans une entreprise de prestation son et lumière de la région et commence à travailler pour diverses compagnies de théâtre et de danse : Cie l’Echappée avec Didier Perrier ; Cie Josefa, Rachel Matéis ; Cie de l’Arcade, Vincent Dussard et Agnès Renaud ; Cie Appel d’Air, Benoit Bar ; Hapax Compagnie, Pascal Giordano.


Presse

AGENDA DE PRODUCTION

Février 2019 à Mars 2020 : Résidences de création

4-8 février Ménagerie de verre (Paris)
11- 15 février La Mue (Caen)
15-18 avril L’Atelier Anna Weill (Poitiers)
1-7 avril & 13-19 mai à l’Horizon (La Rochelle)
10-18 octobre à l’espace Zolan (Hendaye)
4 – 16 février à La Métive (Moutier d’Ahun)
24 février au 6 mars 2020 La Méca (Bordeaux)

Diffusion 19/20 (dates confirmées) :

– Première 27 mars 2020  Théâtre L’horizon / La Rochelle
– 1er avril 2020 L’ECLA / St Vallier
– 27, 28 et 29 avril 2020 Lavoir Moderne / Paris

En attente de confirmation :

– Jean Gabin (20/21)
– Espace Mendi Zolan (20/21)

Contact direction artistique / Production
Alice Kinh
contact@alicekinh.com

Contact administration / Production déléguée
Fanny Baconnais
Ioul Musique
ioulmusique@gmail.com
+33 6 60 90 98 48

Photographies résidence octobre Hendaye


Photographie : DFX Prod – Fabien Ducasse
Chorégraphie : Alice Kinh
Interprètes : Léa Bonnaud, Salomé Genès, Charlotte Leroy, Aude Westphal
Sortie de résidence : octobre 2019 à L’espace Mendi Zolan / Hendaye

#farandoledesolitudes

Photographies résidence L'horizon Mai 2019


Photographie : Emilie Léveillé et Alain Briand (la dernière)
Sortie de résidence : Mai 2019 à L’Horizon / La Rochelle

#farandoledesolitudes

Photographies résidence La Mue février


Photographie : Christophe Cormier
Sortie de résidence : février 2019 à La Mue / Caen

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